（第9届 OCAT 双年展“缓流单元”联合策展人阐述）
颜峻
有人说阿科的作品“有点像激浪派”，她听到后开玩笑说：“可能我是缓流派吧。”
用“缓流”来命名这个展览单元，并不是要和历史作出呼应。尽管激浪派是以“国际最新音乐节”为名目开始的，而我们这个单元，也是从音乐出发，试图恢复一种无需分割也无需跨界的表演时空。既然有人提出这样的对比，那么，也许也可以强调某种共同的野路子精神、日常态度、对壮观和完美的背离、偶然和简单，等等。然而，对于大多数国内的创作者来说，与其说呼应某个遥远的艺术史，不如说，“缓流”是对现实的回应。
此外，“缓流”的英文，并没有直译为“soft flow”，而是借用了“”slowcore”，一个1990年代的音乐类型，原来是指一种缓慢、忧郁的另类音乐，某种程度上是对当时能量充沛的地下摇滚的反叛。这个借用，包含了“硬核”的后半截，希望传达出“缓慢、暧昧，然而坚决”的意思，在这个大量生产着既清晰又强烈的意义的世界里，坚持一种微弱的流动。
因为对表演艺术、戏剧、舞蹈等场景不熟悉，这里我单说中国的实验性的音乐 。很大程度上，它不是在一个历史脉络中缓慢生长、传递而来的，它是1990年代后期“新音乐”的爆发的结果，也就是说它一夜间吸收了所有的资讯，但缺少自然而然的传承、分流、发展，仍处在“重新发明”的突变状态里。相比“历史”，它更像是欲望的产物，是“必须如此”而不是“可以这样”。此外，不用说，它和国际场景的联系并不紧密，缺少面对面的交流合作。还有一件事非常有特点，那就是它和最近30年来的视觉艺术场景相互隔绝，甚至有一种根深蒂固的“感性与理性、体验与知识、前现代与当代”的分歧……
最近几年，音乐圈出现了一些微弱的倾向。首先是年轻的创作者并不介意音乐、表演艺术、戏剧、大混乱，或者无法定义的介乎于百无聊赖和表演之间的领域，不管是乐队出身，还是受过视觉艺术教育，或者干脆自学自创，这种混杂的生活和创作，打破了门类的区隔。其二，在历史上，表演艺术 、概念艺术 、现场音乐三者曾经浑然一体，这是年轻艺术家、激进艺术家和非商业艺术家天然的倾向，这种倾向在21世纪的中国的恢复，也是自然而然的。第三，国际间的交流的细流、潜流，也仍在流动，这里面当然包括一种对表演性、概念性的强化，包括对“前卫音乐变成了经典”的反思，包括各种流派趋向缓和，融合暧昧开始兴起这样的态度。
然而为什么会有人选择激烈的、攻击性的大音量噪音，而另一些选择了沉闷、无聊、激进的“无表情”表演？为什么在一个“接地气”成为政治正确的背景下，有人会用算术、理科实验之类的规则作曲？为什么有人这个月参加“乐队的夏天”，下个月参加“不是音乐会”？为什么会有人同意，并且享受“每个人都可以演奏”的毫无技巧也没有审美高度的作品，甚至看起来只是一群人一起浪费时间？为什么在最近两三年的小型活动中，越来越多年轻艺术家和乐手，把亚文化流行乐、表演艺术和噪音混合起来呈现？
我可能需要更多的篇幅来回答上面的问题，并且把答案导向“对现实的本能的、直接的、力所能及的回应”上。但策展人的最好的回答，还是将提问带到现场，请艺术家用作品来回答，或者，将提问传递下去而并不需要答案……
首先，这个单元所呈现的，全都是基于时间和身体的艺术。也就是说，全都是音乐和声音（或者无声）的表演，也许也会有一些模糊地带，比如说，一起吃饭算不算表演呢？一起看日出算不算表演呢？但可以肯定地说，每一件作品都有其开始和结束，即便是现场录像也只是记录而不是作品的复制品。这种和观众身体时间的同步流逝，是限定性的。
其次，这个单元的所有作品都是新创作的，即便有一些之前写好、表演过的作品，也都会重新根据特定的空间和情景，进行再次创作（且不说“每一个现场都是独一无二的”这种老生常谈）。这些创作的开始，要早于双年展的开幕，它们的完成，也会随着再次的表演和发展，而晚于双年展的闭幕。它和艺术家的日常生活有关，它来自艺术家流动而持续更新的生命之流。这种流动的“新”，不同于历史或者同行间竞争较量的“新”。
第三，现场艺术、表演艺术，尤其是音乐，是必须要和观众和其他艺术家共同完成的。这种天然的社会性，会得到进一步的强调。在双年展开幕之前，这些互相认识或者不认识的艺术家，会开始交流和合作，这对他们各自的创作也会产生影响。某种共同的低技巧的倾向，则使得观众不再接受自上而下的美学赐予，而是去激活自己的感性/思维，这和传统的“细腻含蓄的文人品位”无关，它基本上是一个伦理命题。
第四，这个单元邀请的都不是职业艺术家。他们大多游离于艺术机构、小型表演空间、户外野地、商业空间之间，有的平时还要上班。而且大多是年轻、不出名的艺术家，也联系着更多的年轻、不出名的艺术家，可能还没有被艺术话语所构建的单一的、纯粹的价值标准所净化——这倒不是一个伦理的命题，而是说，你很难在这种情况下期待一种纯净的、易于换算的、脱离经验而存在的语言。
第五，这些艺术家不一定要创作出精彩的作品。他们的工作，是带来“自己相信的、渴望要呈现的”作品。在这个单元里，不应该出现体育竞赛和智力竞赛那样的东西。和作品的审美价值相比，它的自我更新的潜能、对人的价值的激励、对“共同承受时间”这样的简单事实的支持，是第一位的。
最后，作为策展人，我希望以上的论述不会对艺术家和观众造成过度的影响。我说的很可能是错的。
在最近几年里，我的确和一些朋友使用了“非音乐”、“不像音乐的音乐”、“不是音乐”这样的词，用来描述一些（不多的）简单、平淡、沉闷、一意孤行的创作。其中也包括“任何人都可以演奏的音乐”这种东西，这是因为不喜欢审美的等级制度而要使大家都失去审美能力吗？这是“人人都可以弹吉他/人人都是艺术家”的许诺吗？我希望大家也不要思考这样的问题，而是用自己的行动，包括感觉行动和思考行动，来影响这些问题。
谢谢大家。
2021年7月2日